A single man

Un día. Veinticuatro horas. Un lapso de tiempo acotado que puede servir de escenario para que una historia acontezca, para que una trama se urda, para que el rumbo de una vida cambie para siempre.

Veinticuatro horas marcadas por los números de un reloj de forma inexorable, sin perdón ni piedad, hasta desgranar un día en forma de cuenta atrás, de no retorno, de obligado discurrir.

La historia de Un hombre soltero, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Christopher Isherwood, transcurre en 1962, en Los Ángeles. En un momento en el todo el planeta teme a una posible guerra nuclear, que dejaría como rastro un planeta sin vida, en soledad, como ésa sobre la que gira Un hombre soltero, esa soledad impuesta que cede al triste deseo de no querer seguir viviendo en la etapa de la vida de un hombre que parece no tener sentido alguno tras la trágica muerte de su compañero sentimental.

George (Colin Firth), profesor universitario, pierde a su pareja (Matthew Goode) en un accidente de tráfico, hito a partir del cual intenta continuar con su vida, seguir adelante. Pero apenas lo consigue, apenas logra sacar fuerzas para seguir. Y rememora una y otra vez, sin descanso, la vida que, por culpa de un inesperado acontecimiento quedó atrás. Para George la vida deja de tener sentido desde entonces, cada día más y decide suicidarse al finalizar el día. Tras esta dramática decisión, cada segundo de esas veinticuatro horas adquiere una importancia vital y desconocida para George, que vive ese día desde una perspectiva diferente.

La película es pura poesía. La fotografía de Eduard Grau adquiere tintes de magnificencia. Es increíble cómo cambia la luz en función de los cambios de estado emocional de George. Sólo con la vista, podríamos distinguirlos.

La banda sonora es impecable, sobria, clásica, elegantísma. Sobresaliente. El gusto incuestionable de Ford por lo exquisito ha elegido como compositor principal al joven polaco Abel Korzeniowski. Cada uno de los tracks de la BSO transmite una belleza inenarrable, desde Stillness of the mind hasta Clock Tick. Stormy Weather, Blue Moon, Green Onions y el aria interpretada por Miriam Gauci dan vida a un hilo conductor dorado que viste la película de alta costura. Además, la colaboración del músico japonés Shigeru Umebayashi aporta pequeñas joyas como Carlos. En fin, una delicia.

Enlaces:

http://www.asingleman-movie.com/#/home

http://www.tomford.com/

Alain Urrutia

La Casa Encendida, centro social y cultural de Obra Social Caja Madrid, acogerá hasta el 29 de Agosto el proyecto “Oscuro y Salvaje”, comisariado por Eduardo Hurtado.

Oscuro y salvaje sitúa el “bosque” como un territorio metafórico en el que conviven furia y deseo, dos emociones que sirven de pilar argumental para la reflexión y el análisis de la violencia inherente al ser humano y del control de sistema de valores hoy, en 2010.

En el proyecto, además de otros artistas, colabora Alain Urrutia, a quien tengo el placer de conocer y cuya obra, Andréi Rubliov, es la que ilustra la cabecera de disturbingcodes.

Una de las virtudes de Alain, como pintor, es traspasar y transgredir por la belleza de sus obras. Sus carboncillos sobre papel y óleos sobre tela son de una delicadeza que no tiene término, que no se puede acotar. Es infinita. Domina las técnicas con una exquisitez que, lejos de provocar sensaciones vagas, débiles, difusas, actúa en el espectador de forma certera, intensa, combativa y perturbadora, incluso desde la quietud. Admirable.

Termino con un texto que acompaña a “Oscuro y salvaje”.

"Vino a buscarnos.

Corrimos hasta el borde del bosque,

dejando atrás las luces y las ruinas.

Apenas podíamos caminar,

nos pisaba los talones.

Luego todo se tornó oscuro y salvaje.

Casi era imposible reconocernos.

Quedaron marcadas las heridas y

tras la niebla aparecieron las pisadas.

Nunca regresamos a casa."

Muchas suerte a todos y mucha suerte en particular a ti, Alain. A ti, ¡MAESTRO!.

Enlaces:

http://www.lacasaencendida.es/

http://www.lacasaencendida.es/LCE/lceCruce/0,0,73537_0_73535_16220%24P1%3D16,00.html

Marsha Rudenko. Just Human Nature.

A Marsha Rudenko le bastó ganar el concurso Elite Model Look en Rusia para hacerse visible, perodón, para deslumbrar, en las pasarelas más importantes de todo el mundo y convertirse por arte de magia y por dotes extraterrestres en la modelo imprescindible para muchas de las grandes firmas del Fashion Biz.

Rostro camaleónico, medidas pluscuamperfectas y labios carnosos, inspiradores y lascivos, Rudenko interpreta para Florian Sommet este editorial de moda en blanco y negro inspirado en el bondage, el fetichismo y la disciplina inglesa, en un pequeño homenaje a Erik Stanton y anticipándose a una estética retrofuturista a punto de estallar.

It´s just human nature, baby. Human Nature...

Estás atrapado

Tú que como una cuchillada

entraste en mi triste pecho,

tú que, fuerte cual un rebaño

de demonios, viniste, loca,
a hacer tu lecho y tu dominio

en mi espíritu humillado.

Infame a quien estoy unido
como a su cadena el galeote,

corno al juego el jugador,
como a la botella el borracho
como al gusano la carroña,
¡maldita seas, maldita!

Rogué al rápido puñal
que mi libertad conquistara
dile al pérfido veneno

que socorriese mi cobardía.

Mas ¡ay! puñal y veneno

despreciándome, me han dicho:

"No mereces que te arranquen

de esa maldita esclavitud,

¡imbécil! --si de su imperio

nuestro esfuerzo te librara,
tus besos resucitarían de tu vampiro ¡el cadáver!".

[Poema: Charles Baudelaire]

[Fotografía: Bijoux Altamirano]

Kate Moss is going to live forever

You are not.

You are going to die.

Maybe quickly, but probably not.

And when you do, you will either be buried or burned.

And then, after some period of time, most likely a a fairy short one, you will be forgotten.

But Kate.

Kate is not going to die. And when the last person with memory of you follows you into the deep, hideous hole of eternal blackness, she will probably either be shopping for a new sable jacket, eating caviar at a restaurant with an unpublished number, or partying with a new rockstar boyfriend (she might even be fucking him if he´s extremely lucky).

Sorry, friend.

It´s just the way it is.

You are going to fucking die.

And Kate Moss is going to libe forever

[Texto: James Frey]

Enlaces:

http://www.james-frey.com/

http://www.tar-art.com/

XXX

PARENTAL ADVISORY

EXPLICIT CONTENT

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ENJOY...

Ale-Alejandro, Ale-Alejandro

"Alejandro" debutó por fin. El vídeo se está viendo en Youtube a un ritmo endiablado: tres mil veces por minuto. Aunque no había dudas de que iba a volver a arrasar en el canal (su vídeo Telephone es el más visto de la historia del canal de Google con 121 millones de reproducciones), lo cierto es que la expectación ha alcanzado un crescendo de proporciones inigualables.

El clip está dirigido por Steven Klein y coreografiado por Laurieann Gibson. Hace guiños a la danza contemporánea, al cine alemán de los años 20, a la moda de los diseñadores emergentes y a mil temas más. En el clip, Gaga se transforma en una monja "vestida" de látex, una Bono femenina, una Siddhartha desorbitada y en una Material Girl, con un corpiño-ametralladora incluído, que reemplaza al modelo cónico de Gaultier que lució Madonna en su Blond Ambition Tour.

"A ella le gustan las gestas épicas. Se ajustan a su personalidad. Combinamos la danza, la narrativa y atributos del surrealismo", dice Klein. "El proceso consistía en expresar el deseo de Lady Gaga para revelar su corazón y elevar su alma."

El toque sexual lo ponen los bailarines, que danzan con Gaga prácticamente desnudos, con un culotte y un corsé, el pelo corto a lo monje, medias de red, stilettos negros y uniformados como soldados rusos.

"Alejandro" impresiona con sus tiempos fuertes y sus provocativas imágenes políticas, sexuales y religiosas (NOTA: considerar el punto álgido cuando Gaga se traga cuenta a cuenta el rosario que saca de su corpiño. Eso sí es una garganta profunda en condiciones...). 

Tras una multitudinaria orgía, el final del clip muestra a Lady Gaga en la cama antes de culminar en una especie de moda "Two Lane Blacktop", fundiéndose en blanco y desintegrándose.

Sólo queda esperar a su resurrección. Amén.

Enlaces:

http://www.youtube.com/watch?v=niqrrmev4mA

http://www.ladygaga.com/

http://www.stevenkleinstudio.com/

Marina Abramovic

Bajo el patrocinio de, entre otros, el grupo LVMH (Moët Hennessy Louis Vuitton Inc.), el MoMa de Nueva York mostró hasta el pasado 31 de mayo "The Artist is Present", una retrospectiva  de la prolífica carrera de la performer serbia Marina Abramovic a través de cincuenta obras fechadas a lo largo de las cuatro décadas -ahí es nada- de trayectoria.

Abramovic ha permanecido 700 horas sentada en una silla, representando inmóvil la que era la performance central de su retrospectiva, la mayor exposición de un performer jamás expuesta en el MoMA.

Sentada en absoluto silencio durante 700 horas delante de una fila de admiradores que esperan pacientemente a sentarse frente a ella para mirarla a los ojos durante un buen rato, Marina, callada, silenciosa, firme, invariable, es consciente del influjo que ejerce la seducción de su particular arte sobre el público que la admira

Una de las piezas que ha generado más controversia y expectación ha sido llevada a cabo diariamente en  las salas del MoMA cada día, hasta el 31 de mayo, desde antes de que el museo abriera sus puertas y hasta después de que las cerrara, para permitir al espectador experimentar la intemporalidad de la producción de Abramovic: dos intérpretes desnudos dispuestos junto a cada uno de los marcos de una puerta por la que los visitantes eligen si transitar o no, otro performer desvestido tumbado bajo un esqueleto o una mujer también desnuda sobre un asiento de bicicleta forman parte del último trabajo de la polémica y controvertida Abramovic, conocida por idear obras-espectáculo en las que permite al público infligir daño a su propio cuerpo mediante objetos como tijeras, cadenas, látigos o cuchillos.

El objetivo de la producción, según la "abuela de la performance", tal y como se define la artista de Belgrado, es analizar las relaciones entre el artista y su audiencia y explorar los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente.

Personalmente, la pieza que más me ha impactado desde siempre ha sido "The Lips of Thomas", representada también en el libro editado para la ocasión.

La performance The Lips of Thomas, fue desarrollada en la Galería Krinzinger de Innsbruck (Austria) en 1975. Consistía en una acción de dos horas de duración, en la que Abramovic, sentada desnuda sobre una mesa, comía primero un kilo de miel con cuchara de plata. Después, bebía lentamente un litro de vino tinto en un vaso de cristal.

Una vez finalizado este proceso, la artista rompía el vaso, cogía uno de los pedazos con su mano derecha y rasgaba su estómago con una estrella de cinco puntas, al tiempo que comenzaba a azotarse violentamente hasta no sentir dolor.

Después, Marina tendía su cuerpo boca arriba sobre una enorme cruz compuesta por bloques de hielo. Una estufa enfocada hacia su vientre hacía sangrar las heridas.

Marina Abramovic permanecía en esta posición durante treinta minutos, mientras su cuerpo comenzaba a congelarse, hasta que el público interrumpía la acción retirando los bloques de hielo situados bajo la artista.
 

El sentido de esta pieza esta íntimamente ligado a la experiencia personal de la artista, que  ha construido un entramado conceptual en el que los hechos biográficos, los símbolos -la cruz y la estrella- y su propio sufrimiento, se interrelacionan configurando una especie de sacrificio liberador en el que ella misma representa a la víctima y al verdugo.


Marina Abramovic. Más presente que nunca.

Enlaces:
http://www.moma.org/
http://www.youtube.com/watch?v=HWvtcGY5ME0/

Mil veces gracias.

Sábado, 12 de Junio.

Tres meses después de que naciera "disturbingcodes", hoy acumula mil visitas. ¡Mil!

Gracias a todos aquellos que me leéis y me seguís con fruición, a quienes me aconsejáis, me dedicáis tan bellas palabras y (suaves) críticas, elogiáis mi esfuerzo y os interesáis por las cosas que escribo. Gracias por compartir conmigo vuestro tiempo y vuestro aliento. A aquellos que no conozco, gracias también por vuestra curiosidad. Todos alimentáis mis ganas de darle vida a este cuaderno de bitácora, que crece y crece. Y me ayuda a crecer.

Decía la Madre Teresa de Calcuta que "Amar es compartir". Por eso, quiero dar las gracias de forma muy especial al amor de mi vida. Te quiero cada día más. Cada minuto más. Gracias por acompañarme en cada paso: certero o desacertado,  firme o vacilante, gracias por alimentar mis sentidos.

Y gracias por regalarme el sol, que siempre brilla cuando estás tú.

Binomios arquitectónicos

Separados por el Parque de Doña Casilda Iturrizar, el pasado y el futuro se dan la mano en el virtuoso ejercicio de libertad arquitectónica que vive Bilbao desde la construcción del emblemático Museo Guggenheim, primer y máximo exponente de la arquitectura de vanguardia en la Villa.

Por un lado, la modernidad y el futurismo de la Torre Iberdrola, que fue definida por César Pelli como un edificio "simple, elegante, ecológico y sostenible". Pelli, uno de los arquitectos más destacados del panorama mundial especializado en arquitectura vertical, idea el primer rascacielos que tendrá Bilbao en 2011: un edificio de 165 metros de altura, cuya base es un triángulo isósceles de lados ligeramente curvos. Sus 41 plantas y cincuenta mil metros cuadrados erigen la torre como un faro acristalado instalado en pleno cemento urbano.

De otro lado la casa Lezama-Leguizamón, un edificio de composición tripartita tanto en altura como en longitud. En altura, el primer tramo corresponde al propio zócalo del edificio y a las dos primeras plantas. El segundo abarca tres plantas y el tercero una última de remate con el cielo bilbaíno. En longitud, los tramos externos presentan sendos torreones vigilantes, marcando las esquinas del edificio, mientras que su centro está flanqueado por volúmenes prismáticos que se posicionan en el ático.

Mixtura, diversidad y belleza a pie de calle. ¿Por qué no alzaremos más veces la vista al cielo para ver las maravillas que nos resguardan?

Cristóbal Balenciaga

"Balenciaga. El diseño del límite" se expone estos días en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y muestra 35 piezas de costura que se presentan encapsuladas en metacrilato o rodeadas por neones elípticos y circulares de luz blanca y amarilla.

El montaje de la obra del gran Cristóbal Balenciaga ha corrido a cargo de los arquitectos del estudio barcelonés AV62, Victoria Garriga y Toño Foraster, quienes son además, los comisarios de la exposición, que se divide en siete áreas temáticas: Noche brillante; Ave de noche; El cuerpo alojado; El milagro Balenciaga; Siluetas nocturnas; Mujeres flor y La novia.

Allá por el mes de Diciembre, fuentes del Museo aseguraban que, con esta exposición, la intención no era plantear una lectura disciplinar sobre la obra y el trabajo de este modisto, sino que lo que se pretendía era que el itinerario por los distintos espacios del Museo tratara de inducir al espectador sobre una reflexión sobre el papel que la moda y el vestido pueden tener en el individuo y en la colectividad.

Puedo culpar al día gris y lluvioso de Bilbao, pero la exposición me defraudó en gran manera. Las temáticas quedan poco argumentadas por sus piezas y, en ocasiones, algunas de éstas carecen de rasgos museísticos, no por la genialidad de sus cortes o por el gusto estético de su patronaje, sino por la "falta de compañía" y de armonía. No puedo decir que la colección sea escasa, porque los matices de este esteta hacen que una sóla de sus piezas baste para engalanar la sala más amplia de cualquier museo, pero sí se echa en falta un hilo conductor que aporte continuidad a una exposición que encontré carente de alma y espíritu.

Un bravo por las frases en gran formato dedicadas al gran modisto, que sirven de telón de fondo a dos de las agrupaciones de piezas:

"Casi desde el primer día en el que inauguró su salón en 1937, ha sido aclamado como la gran autoridad de la moda. Lo que Balenciaga hace hoy, otros modistos lo harán mañana o el año que viene, pero para entonces, él habrá dado otros pasos, siempre por delante en la vanguardia de la verdadera elegancia del chic más auténtico.". Vogue.

"Si Dior es el Watteau de la costura, entonces Balenciaga es el Picasso de la moda porque, como Picasso, Balenciaga guarda un profundo respeto por la tradición y posee un depurado estilo clásico que subyace a toda su experimentacíón con lo moderno". Cecil Beaton.

A pesar del día lluvioso y gris, hay que alabar que la pinacoteca haya decidido abrir sus puertas a la moda para mostrársela al gran público en un ejercicio de modernidad e interculturalidad irreprochable. Hasta Septiembre, todos podremos disfrutar de una arquitectura que se cosió y de una perfección matemática que se elaboró a base de puntadas.

Enlaces:

http://www.museobilbao.com/

http://es.wikipedia.org/wiki/Crist%C3%B3bal_Balenciaga/

http://www.balenciaga.com/

Blanc. Noire. Six. Neuve. Soixante-neuve. Daphne. Guiness.

69 6666 ...6 9...

Les inverses 6 et 9
Se sont dessinés comme un chiffre étrange
69
Deux serpents fatidiques
Deux vermisseaux
Nombre impudique et cabalistique
6 : 3 et 3
9 : 3 3 et 3
La trinité
La trinité partout
Qui se retrouve
Avec la dualité
Car 6 deux fois 3
Et trinité 9 trois fois 3
69 dualité trinité
Et ces arcanes seraient plus sombres
Mais j'ai peur de les sonder
Qui sait si là n'est pas l'éternité
Par-delà la mort camuse
Qui s'amuse à faire peur
Et l'ennui m'emmantelle
Comme un vague linceul de lugubre dentelle
Ce soir

[Poema: Guillaume Apollinaire]
Dedicado a Igor.

Fashion has no mercy

 

"En ese aposento... se apoyaba un gigantesco reloj de ébano. Su péndulo se balanceaba con un resonar sordo, pesado, monótono; y cuando la hora iba a sonar, de las entrañas de bronce del reloj, salía un tañido claro, resonante, profundo y extraordinariamente musical, pero de un timbre tan particular y potente que de hora en hora, los músicos de la orquesta se veían obligados a interrumpir... para escuchar el sonido, y las parejas danzantes cesaban por fuerza en sus evoluciones; durante un momento, en aquella alegre sociedad reinaba el desconcierto; y mientras aún resonaban los tañidos del reloj, se notaba que los más vehementes palidecían y los de más edad y más sensatos, se pasaban la mano por la frente como si se entregaran a un confuso ensueño o meditación. pero apenas los ecos cesaban, livianas risas se difundían por la reunión...; y se sonreían de su nerviosidad... mientras se promnetían unos a otros en voz baja que el siguiente tañido del reloj no provocaría en ellos una emoción semejante. Mas al cabo de sesenta minutos...el reloj daba otra vez la hora, y otra vez nacían el desconcierto, el temblor y la meditación de antes.

Mas a pesar de esas cosas, la jarana era alegre y magnífica..."

E.A. Poe "La máscara de la Muerte Roja".

"No deberías subestimar Edén."

Casi un año después, ayer por la tarde volví a ver Anticristo. Y de nuevo volvió a fascinarme.

Dejando de lado las feroces críticas que tuvo en su día y que aún hoy sigue acumulando, Lars Von Trier creó una gran película. Poderosa y excitante.

Su dedicatoria a la memoria de Tarkovski no hace sino subrayar en mi pensamiento la idea de lirismo, de sutileza y de grandiosidad en la que Trier se ha atrevido a escarbar, tomando el relevo del gran director ruso para llegar a territorios cinematográficos que nunca nadie antes se había atrevido a visitar. Y sí, ha podido hacerlo en un acto de rebeldía, de atrevimiento o de osadía, pero también de afirmación y de determinación. Y su resultado es una obra maestra.

Jamás el cine ha dado unas imágenes tan desgarradoramente bellas como las que abren el filme, con un prólogo constituído por escenas en blanco y negro tan bellamente filmadas y tan técnicamente perfectas, que embriagan  y que, lejos de ser pretenciosas, se muestran honestas para elevarse a la categoría de brillantes.

Filmadas a cámara muy lenta, y mientras se escucha una música angelical (la conmovedora "Lascia ch´io pianga", de la ópera Rinaldo, de Händel), Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg hacen el amor en varios rincones de la casa, sus cuerpos jadean, y sus facciones se deforman por el placer. Un placer ajeno a la tragedia que ocurre al otro lado de la habitación donde su  pequeño hijo encuentra la muerte al caerse desde una ventana. El momento de la muerte coincide con aquellos en los que ambos alcanzan el orgasmo, y se nos muestran con preciosistas primeros planos en los que el niño cae (inocente, sobre el pavimento) y Charlotte y Willem caen (exhaustos, sobre la cama).

Es cierto que la elegante, dulce y angelical belleza y el terror y la maldad tan sutiles y maquillados con que arrancan la película, dejan paso a un crecendo infinito de violencia, locura y desgarro. Pero no se trata de una tragedia tan diferente a las que los grandes maestros de la literatura pudieron dar forma ni tampoco de un escándalo gore fuera de lugar. Se trata de una soberbia  narración sobre la psique patológica de una mujer que Trier no romantiza. A partir de ahí, la violencia se expone de forma honesta. Tal y como es: cruda.

Quizá no sea una película para masas, y quizá por eso deberíamos tomar como punto de partida el post "Ecce Homo" de este blog, y elevarnos un poco para respirar el tipo de aire que se necesita para comprender Anticristo. Una aire con una composición química un tanto distinta, sí, un aire especial.

Trepemos y visitemos el terror de la mano de Trier, del exquisito y embriagador placer del terror que traen consigo los tres mendigos. Dejemos que nos sacuda la ansiedad: sintamos los "mareos, la boca seca, la audición distorsionada, temblores, jadeos, el pulso acelerado, naúseas..." .

Y recordemos que: "Cuando los tres mendigos llegan, alguien debe morir".

El cerco de Leningrado

Los aplausos se alargaron durante minutos mientras Magüi Mira y Beatriz Carvajal salían a escena a saludar hasta tres veces.

La interpretación de estas dos grandes del teatro, que dieron vida ayer a "El cerco de Leningrado" fue magnífica, y el duelo interpretativo entre ambas, grandioso.

Según palabras de su Director, José Carlos Plaza: "Dos mujeres enfrentadas por sus caracteres, por sus orígenes, por sus temperamentos, pero unidas, profundamente unidas por una obcecada fidelidad a sus ideas, a sus principios, a su amor..."

Beatriz y Magüi encarnan los papeles de Priscila y Natalia, mujer y amante respectivamente de Néstor, célebre director de teatro de izquierdas, presumiblemente asesinado hace veintitrés años, viven en un teatro abandonado, fantasmagórico, medio derruído, antigua sede de su compañía. Mientras hacen inventario rememoran su propia historia y la del grupo y buscan un texto que Néstor estaba ensayando cuando murió: "El cerco de Leningrado" y que nadie había llegado a conocer en su integridad. Cuando lo encuentran advierten que al presentar la derrota del comunismo, el texto se enfrentaba tanto a la izquierda como a la derecha (que lo necesita un enemigo). Comprenderán entonces que Néstor pudo ser asesinado tanto por unos como por otros. Pese a ello, ambas mujeres continuarán fieles a sus recuerdos y a sus ideales, y se dispondrán a montar "El cerco…" aunque sean ellas solas las que lo hagan.

La obra deja un sabor agridulce y, a mi modo de ver una moraleja muy marcada. 

Yo me quedo con la fascinación de dos seres humanos, idealistas, que luchan por un imposible, que valoran lo espiritual y que, siendo conscientes -porque lo son- de la irrealidad del mundo en que viven, se aferran con su temperamento y con su ilusión a un presente que no existe para poder llegar a un futuro que tampoco existirá jamás.